Petit lexique
Gendaigeki : Films sur des sujets contemporains, abordant notamment des questions sociales.
Jidaigeki : Films d’époque, films en costumes, se déroulant le plus souvent avant 1868.
Yakuza?Eiga : Films centrés sur des gangsters (yakuzas). La société Toei en produisit en grand nombre.
Chambara : Films de sabre, équivalent du film de cape et d’épée occidental. "Chambara" est une onomatopée évoquant le bruit d’un combat au sabre.
Shoshimin?eiga : Films sur la classe moyenne et ses difficultés. On parle aussi de shomingeki pour ces œuvres qualifiées parfois de néo-réalistes.

1899?:?Momijigari (Promenade sous les érables), premier film japonais, scène d’une pièce kabuki
1908?:?Création du premier studio de cinéma au Japon
1909?:?Goban Tadanobu, premier des 1 000 films dans lesquels jouera Matsunosuke Onoe, acteur venu du kabuki
1912?:?Naissance de Nikkatsu, la société de production cinématographique
1923?:?Kenji Mizoguchi débute comme réalisateur avec Le jour où l’amour revit
1927?:?Le Sabre de pénitence, première réalisation de Yasujiro Ozu
1931?:?Mon amie et mon épouse de Heinosuke Gosho, premier film parlant japonais
1939?:?La censure refuse à Yasujiro Ozu l’autorisation de tourner Le Goût du riz au thé vert
1939?:?Le documentaire Les Soldats au combat du marxiste Fumio Kamei est détruit par la censure
etc.

Dans ses premières années, le cinéma japonais se développe autour de deux pôles : des bandes documentaires et des fictions fortement marquées par le théâtre kabuki. Les pièces sont transposées à l’écran et, selon la tradition théâtrale, les rôles féminins sont interprétés par des hommes.
À partir des années 1920, sous l’influence notamment des films étrangers importés, les réalisateurs s’éloignent de ces mises en scène statiques pour utiliser une écriture cinématographique plus élaborée avec une caméra plus mobile et un travail de montage.
Cette rupture se confirme après le tremblement de terre de 1923 qui ravage la plupart des studios de Tokyo. La production se déplace alors à Osaka et Kyoto, où les jidai?geki, films en costumes se déroulant très souvent à l’ère féodale, se multiplient. Les scénarios déclinent à l’envi les aventures d’un jeune samouraï appelé à venger le déshonneur de sa famille.
À cette époque, apparaît aussi le keiko eiga ("film à tendance"), marqué par une sensibilité progressiste. Les héros en sont souvent des ronins, des samouraïs rebelles ou des voleurs au grand coeur.
À Tokyo, le gendai-geki, films à sujet contemporain, s’illustre à travers divers genres. Kenji Mizoguchi réalise aussi bien des policiers que des mélodrames, Yasujiro Ozu et Mikio Naruse débutent leurs carrières par des comédies.
Gosses de Tokyo (1932) de Ozu reste emblématique d’une veine sociale importante à l’époque : le shoshimin, peinture des difficultés de la classe moyenne. Mettant en scène deux enfants malicieux et frondeurs, le cinéaste porte un regard incisif sur le pouvoir de l’argent.
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Quand le cinéma japonais passe au parlant au milieu des années 1930, l’industrie cinématographique est solidement implantée, mais la prise du pouvoir par les militaires va bientôt faire peser sur le cinéma une lourde chape. Les autorités favorisent la concentration de la production pour mieux la contrôler et exercent une censure stricte.
Tout un courant d’œuvres dénonçant les injustices sociales, qui avait fleuri au début des années 30, disparaît des écrans au profit d’histoires vantant des valeurs nationalistes et conservatrices. Durant la guerre, on impose même aux réalisateurs de tourner des films de propagande patriotique exaltant le respect de l’autorité.
500 films par an en moyenne
Au lendemain du conflit mondial, avec la fin de la main-mise des militaires sur la production, le cinéma connaît un nouvel essor. Une poignée de grands studios, dont la T?h?, la Sh?chiku, la Daiei et la Toei, dominent le marché mais une production indépendante se développe aussi.
Des années 1950 aux années 1970, les Japonais se rendent nombreux dans un vaste réseau de salles (on passe de 1376 cinémas en 1946 à 7067 en 1958) et autour de 500 films sont produits chaque an. Le cinéma nippon obtient également une reconnaissance internationale et plusieurs œuvres sont primées en festivals. Rash?mon d’Akira Kurosawa reçoit le Lion d’or à Venise en 1951 et, entre 1953 et 1954, Venise récompense Les Contes de la lune vague après la pluie puis L’Intendant Sansho de Kenji Mizoguchi et Les Sept samouraïs d’Akira Kurosawa. La Porte de l’enfer de Teinosuke Kinugasa décroche la Palme d’or à Cannes en 1954, L’Île nue de Kaneto Shindo remporte le Grand Prix du festival de Moscou en 1961…
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L’apport d’Akira Kurosawa (1910-1998) au cinéma mondial se mesure avant tout à travers les nombreux chefs-d’œuvre qu’il a signés mais aussi par l’empreinte de ses films sur des cinéastes comme Sergio Leone ou George Lucas. Son Le Garde du corps (Yojimbo) a en effet directement inspiré Pour une poignée de dollars et sa Forteresse cachée, classique du film de sabre, a nourri le scénario de Star Wars.
Entre 1943, sortie de La Légende du grand Judo, et 1993, où il réalise Madadayo, Akira Kurosawa a mis en scène une trentaine de films. Rash?mon, Lion d’Or à Venise en 1951 puis Oscar du meilleur film étranger, lui apporte la notoriété internationale. Cette histoire située à l’époque médiévale éblouit par sa force visuelle et son récit confrontant les points de vue de plusieurs personnages sur un même événement. Le cinéaste a cependant déjà donné la mesure de son talent, entre autres dans Chien enragé en 1949, où son acteur fétiche Toshiro Mifune incarne un policier à la recherche de son arme volée. Sous une intrigue de polar, il y décrit les difficultés du Japon d’après-guerre.
Kurosawa a adapté régulièrement des classiques de la littérature, de Shakespeare (Le Château de l’araignée d’après MacBeth, 1957) à Maxime Gorki (Les Bas-fonds, 1957) en passant par Dostoïevski, dont il transpose L’Idiot dans le Japon de 1951. Mais le réalisateur sait donner à ces adaptations une pleine dimension cinématographique, notamment par de fameux mouvements de caméra.
Filmer le japon moderne
Si ses jidai-geki, fresques à caractère historique, ont consolidé sa célébrité hors de son pays, le réalisateur aimait tout autant filmer au présent. De fait, il a illustré son humanisme par exemple dans Vivre (1952), où un homme, condamné par la maladie, décide de se battre afin de créer un square pour enfants. Le scénario de Vivre dans la peur (1955) repose sur la menace atomique et Dode’s Kaden (1970), son premier film en couleurs, offre le tableau à la fois cruel et poétique d’habitants d’un bidonville.
Après Barberousse (1965), portrait d’un médecin qui se consacre aux pauvres, Kurosawa tourne moins. Dersou Ouzala, filmé en Sibérie en 1975, marque son grand retour sur la scène internationale et lui vaut un Oscar. Kagemusha, avec en toile de fond les rivalités entre clans dans le Japon du XVIe siècle, obtiendra la Palme d’or à Cannes en 1980. Ran, en 1985, propose une version personnelle du Roi Lear de Shakespeare.
Couramment qualifié de Sensei (maître), Akira Kurosawa était aussi baptisé Tenno (l’Empereur) en raison de son perfectionnisme qui pouvait le pousser à un comportement dictatorial sur les plateaux. « Plus un film est japonais, plus il est universel », aimait-il dire.

Considéré comme l’un des plus grands cinéastes japonais, Yasujiro Ozu naît le 12 décembre 1903 à Tokyo et y meurt le jour de son soixantième anniversaire. Cet éternel célibataire qui vécut toute sa vie chez sa mère, a consacré une large part de sa cinquantaine de films aux thèmes du mariage et de la vie de famille. Contrairement à Kurosawa et Mizoguchi, le public français n’a découvert son œuvre que quinze ans après sa mort.
Un réalisateur prolifique
Après avoir fait ses classes comme assistant réalisateur, Ozu débute en 1927 avec un film d’époque pour la Sh?chiku Kinema, une importante firme de production.
Maîtrisant les genres de la comédie, du drame ou du film noir, il s’impose dès les années 1930 comme un cinéaste phare du Japon et tourne énormément. Après-guerre, son rythme de production ralentit et son style évolue vers un cinéma de plus en plus épuré. Ce tournant stylistique se perçoit notamment dans Printemps tardif (1949) qui raconte comment une jeune fille est poussée à se marier par son entourage attaché aux traditions.
Influencé par les cinémas européen et américain à ses débuts, Ozu se démarque par une approche particulière du récit, loin des schémas hollywoodiens.
Le scénario s’attache aux petites actions du quotidien sans chercher d’effets spectaculaires. Ses récits traitent de l’évolution de la société japonaise et de l’impact de la modernité sur le modèle familial traditionnel, comme dans Voyage à Tokyo (1953). Les thèmes du mariage arrangé ou du remariage comme celui du conflit entre les générations reviennent souvent. C’est le cas dans Fleurs d’équinoxe (1958) ou Fin d’automne (1960), par exemple.
Les différences de classes sociales sont toujours présentes en filigrane et Ozu observe avec un regard malicieux la question du vivre ensemble en harmonie, avec nostalgie mais sans conservatisme. Mais c’est tout autant sa mise en scène rigoureusement élaborée qui fait sa réputation.
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Le film de sabre, chambara ou ken-geki en japonais, constitue un genre caractéristique du cinéma nippon, que l’on pourrait rapprocher du film de cape et d’épée occidental. Issu du théâtre traditionnel kabuki, le chambara répond à des codes bien définis : le héros est la plupart du temps un samouraï solitaire ou un ronin (samouraï sans maître). La fidélité au code de l’honneur et la relation maître-élève font partie des thèmes récurrents. La chorégraphie des combats passe par une phase d’attente suivie de coups de sabre vifs. Les séquences finales prennent souvent la forme d’un duel spectaculaire, le dai ketto.
Le chambara est déjà présent dans les années 1920 avec notamment le personnage de Tange Sazen, samouraï borgne et manchot. En 1935, dans Le Pot d’un million de ryo, grand succès de l’époque, le cinéaste Sadao Yamanaka s’amuse à transformer le combattant intraitable en dur au coeur tendre.
La période faste du genre commence en fait au milieu des années 1950 et s’étend sur deux décennies.
En 1954, avec Les Sept samouraïs, Akira Kurosawa apporte au genre ses lettres de noblesse. Le cinéaste, sans souscrire totalement aux codes du genre, y raconte comment des paysans recrutent sept samouraïs pour se défendre de bandits qui menacent leur village. Ce succès international deviendra un classique. La même année, Hiroshi Inagaki dirige Toshiro Mifune dans La Légende de Musashi, premier volet d’une trilogie très populaire qui obtiendra l’Oscar du meilleur film étranger.
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Au cours des années 1960-70, les films de yakuzas (yakuza eiga) mettant en scène des personnages appartenant au crime organisé déferlent sur les écrans japonais.
Dans un premier temps, c’est le sous-genre du ninkyo giga qui est particulièrement populaire : les récits se situent pendant la période allant de la fin de l’ère féodale au début de la Seconde Guerre mondiale, soit environ 70 ans. Ils s’apparentent aux histoires de chevalerie mais abordent des thèmes à résonance très contemporaine comme le conflit entre la tradition et l’individualisme moderne. Ken Takakura et Koji Tsuruta sont deux des stars du genre. Le premier est ainsi la vedette de Abashiri Prison, décliné en 18 volets entre 1965 et 1973. Le second est notamment le héros de The Gambler / Bakuchi uchi (10 titres entre 1967 et 1972).
Par ailleurs, s’inspirant plus des polars occidentaux, les studios produisent de nombreux mukokuseki, qui, à la différence des ninkyo giga, sont des films d’action ancrés dans le présent. Certains réalisateurs comme Seijun Suzuki avec Le Vagabond de Tokyo (1966) s’appuient sur le genre pour en renouveler l’esthétique en développant des recherches formelles. En 1967, son étonnant La Marque du tueur, où il détourne les codes du genre, lui vaut d’être renvoyé des studios Nikkatsu.
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À la fin des années 1950, la Nouvelle Vague apparaît en France. Ses auteurs, dont François Truffaut, Claude Chabrol et Jean-Luc Godard, sont pour la plupart de jeunes critiques et des cinéastes autodidactes.
La Nouvelle Vague japonaise naît au même moment. Ses membres, quant à eux, sont souvent des techniciens ou réalisateurs déjà en activité. Ozu et Mizoguchi sont alors les cinéastes de référence. Le grand public apprécie les films de gangster et les drames familiaux.
Pourtant, la société se divise. La jeunesse étudiante influencée par le marxisme fait entendre sa voix. Elle critique l’occupation américaine et de violentes émeutes éclatent en 1960.
Espérant surfer sur la Nouvelle Vague française, la Sh?chiku se met à produire des films à petits budgets, destinés au public estudiantin. Nagisa Oshima se fait ainsi remarquer avec Contes cruels de la jeunesse (1960). Il y met en scène un jeune couple de délinquants, filme en caméra portée en privilégiant les extérieurs et n’hésite pas à évoquer l’avortement du personnage féminin. Kiju (Yoshishige) Yoshida signe Bon à rien (1960), portrait de jeunes oisifs fascinés par le mode de vie occidental. Une génération de réalisateurs de moins de trente ans entend inventer un cinéma plus en phase avec le Japon moderne. « On ne peut plus vivre dans le monde d’Ozu », lance Masahiro Shinoda, qui se livre à l’expérimentation formelle avec Fleur Pâle (1964), étonnante histoire d’amour dans l’univers des jeux clandestins.
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« Sans la littérature japonaise, le cinéma japonais n’existerait pas », selon le spécialiste du septième art nippon Max Tessier. Depuis les origines, les œuvres littéraires anciennes ou contemporaines nourrissent les scénarios et la liste des auteurs japonais adaptés, de Yasushi Inoué à Kenzaburô Oe, est infinie…
Les tout premiers films japonais, comme Momijigari (Promenade sous les feuillages d’érable) en 1899, puisent dans le répertoire théâtral du kabuki. Dans les années 1920 et 1930, le cinéma se tourne vers diverses formes littéraires y compris les feuilletons populaires parus dans les journaux, notamment sous la plume de Eiji Yoshikawa, l’auteur de La Pierre et Le Sabre. De cette période date la première version, muette, de La Danseuse d’Izu de Yasunari Kawabata, qui obtiendra le Nobel en 1968.
Après-guerre, la nostalgie du vieux Japon favorise les récits médiévaux. Le Dit du Genji, œuvre fondatrice de la littérature japonaise écrite au XIe siècle par la courtisane Murasaki Shikibu, est porté à l’écran en 1951 par K?zabur? Yoshima.
De Kawabata à Mishima
Les contemporains ne sont pas délaissés. Kawabata compte parmi les auteurs les plus prisés : entre 1926 et 2008, 26 de ses romans ont fait l’objet de 41 adaptations. Deux autres figures littéraires majeures, Jun’ichiro Tanizaki (1886-1965), à qui on doit La Clef, et Natsume Sôseki (1867-1916), l’auteur de Je suis un chat, sont aussi régulièrement portées à l’écran. Ces deux écrivains ont été adaptés par l’éclectique et prolifique Kon Ichikawa qui a par ailleurs signé une version cinématographique du Pavillon d’or de Yukio Mishima en 1958.
D’autres réalisateurs de renom ne font pas exception à la règle. Une grande part de la filmographie d’Akira Kurosawa est issue d’œuvres littéraires. Si Rash?mon, est tiré d’un roman de Sosuke Atugawa écrit en 1922, le réalisateur prend aussi plaisir à s’inspirer d’auteurs étrangers comme Shakespeare, Dostoïveski ou Gorki. Yasujiro Ozu tire les scénarios de Fleurs d’équinoxe et de Fin d’automne de romans de Ton Satomi. Mikio Naruse transpose plusieurs titres de l’écrivaine et poétesse Fumiko Hayashi (1903-1951) avec Derniers chrysanthèmes (1948), Nuages flottants (1950) et Le Repas (1951).
Les metteurs en scène issus de la nouvelle vague japonaise prennent le relais. Masahiro Shinoda adapte, entre autres, Tristesse et Beauté de Kawabata en 1965. À la lisière du fantastique, La Femme des sables de Hiroshi Teshigawara d’après Kobo Abe obtient l’Oscar du film étranger en 1964.
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Le Japon produit des courts métrages d’animation dès 1917. Les techniques vont du graphisme au papier découpé. Outil de propagande patriotique, le premier long-métrage sort en 1945 : Momotaro, le divin soldat de la mer.
Après la guerre, l’industrie de l’animation prend la deuxième place mondiale. Deux dates marquent des étapes importantes : 1958 avec la production par la Toei du Serpent blanc, premier long-métrage nippon en couleur, inspiré d’une légende chinoise, et 1963 avec la série télévisée Astro Boy, tirée du manga d’Ozamu Tezuka.
Miyazaki, Takahata et le Studio Ghibli
Hayao Miyazaki, né en 1941, et Isao Takahata (1935-2018), deux réalisateurs qui ont débuté comme animateurs à la Toei, vont occuper une place particulière dans la japanimation. Le succès de Nausicäa de la vallée du vent (1984) de Miyazaki leur permet de fonder leur propre studio, Ghibli. En 1988, Mon voisin Totoro, signé par Miyazaki, et Le Tombeau des lucioles, réalisé par Takahata, les révèlent au grand public. Leurs longs-métrages suivants confirmeront leur volonté de faire du dessin animé du cinéma à part entière.
Après les remarqués Porco Rosso (1992) et Princesse Mononoké (1997), Miyazaki reçoit le Lion d’Or de Berlin en 2002 avec Le Voyage de Chihiro. Habitée par les thèmes de l’aviation, du rapport entre humanité et nature, son œuvre confronte souvent les personnages à des dilemmes moraux ou politiques et se distingue par un style graphique très identifiable, des décors léchés et un découpage virtuose.
Takahata, quant à lui, puise dans le folklore japonais avec notamment Le Conte de la Princesse Kaguya (2013) et oscille entre le drame, avec Le Tombeau des lucioles et ses enfants livrés à eux-mêmes après les bombardements de Kobe en 1945, et des comédies douces-amères comme Mes voisins les Yamada (1999).
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Histoires de fantômes
La culture traditionnelle japonaise est friande d’histoires de fantômes et de créatures fantastiques, souvent mal intentionnées. Parmi ces revenants, le yurei prend la forme d’une femme aux longs cheveux noirs et au visage blafard. Deux branches du théâtre japonais, le nô et le kabuki, ont popularisé ces histoires et ces codes visuels. On compte quelques adaptations cinématographiques dès 1912, mais c’est avec Les Contes de la lune vague après la pluie de Kenji Mizoguchi en 1953, puis Histoire de fantômes japonais de Nobuo Nakagawa en 1959, que le kaidan-eiga (images de fantômes) s’affirme et, en 1965, le film à sketches Kwaidan de Masai Kobayashi est primé au festival de Cannes.
Le phénomène Ring
Si films et séries d’horreur sont en vogue dans le Japon des années 1990 au Japon, une réalisation renouvelle le genre 1998 : Ring (en japonais Ringu, le cercle), d’Hideo Nakata. Récompensé dans divers festivals, il est aussi plus que rentable au box-office. Son succès tient au personnage principal de Sadako, le fantôme d’une jeune fille noyée au fond d’un puits, en quête de vengeance. Sa malédiction s’abat sur les spectateurs d’une étrange cassette vidéo qui circule. Cercle du puits, cercle vicieux… Avec ses longs cheveux noirs, sa robe blanche et sa démarche d’actrice de kabuki, Sadako est une version actuelle du yurei. L’intégration des images vidéos et des photographies distordues, le rythme lent et la bande-son innovante signée Kenji Kawai font de Ring sur-le-champ un film d’auteur moderne et culte.
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Comique, acteur, peintre, plasticien, poète, concepteur de jeux vidéo... Avant tout connu en tant que cinéaste, Takeshi Kitano est un artiste aux multiples casquettes. Sa carrière d’acteur est aussi riche qu’éclectique : il a joué, entre autres, dans Furyo et Tabou de Nagisa Oshima, dans les films d’horreur Battle Royale I et II, ainsi que dans le remake américain de Ghost in the Shell de 2017...
"Beat Takeshi", le comique populaire
Kitano fait ses débuts en tant qu’humoriste au début des années 1970, notamment grâce à son duo comique The Two Beats fondé avec Niro Kaneko. De là naît son surnom "Beat Takeshi". Basés sur l’improvisation et un humour politiquement incorrect, leurs sketches leur assurent un passage à la télévision en 1976 et les rend célèbres auprès du grand public japonais. Kitano dissout le duo dans les années 1980 et devient animateur du jeu télévisé Takeshi’s Castle de 1986 à 1989. À cette époque, sa popularité est telle qu’il doit cumuler dix émissions télévisées par semaine ! Si Takeshi Kitano est considéré avec sérieux en Europe, aux yeux des Japonais il demeure surtout une incontournable figure du petit écran aussi déjantée que populaire.
Une œuvre singulière
Sa première réalisation, Violent Cop (1989), portrait d’un policier aussi violent qu’imprévisible, rencontre un succès commercial et critique. Depuis, sa filmographie passe du polar, avec Sonatine (1993) ou Outrage (2010), à la comédie avec Getting Any ? (1994), en passant par le drame avec Dolls (2002) et le film d’époque avec Zatoïchi (2003). Ces genres se confondent souvent au sein d’un même film, qui peut bifurquer du récit policier au drame intime comme Hana-bi (1997), ou oscille entre comédie et drame tel L’Été de Kikujiro (1999).
Souvent acteur dans ses propres films, Kitano apporte à ses personnages une maladresse fruste et touchante. La violence devient alors le fardeau des marginaux confrontés à un monde absurde.
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Kiyoshi Kurosawa
Ce cinéaste né en 1955 et sans lien de parenté avec Akira Kurosawa est considéré comme un membre de la Nouvelle Vague Rikyo, qui succède à la première Nouvelle Vague japonaise. Enseignant à la Film School of Tokyo, Kiyoshi Kurosawa est reconnu internationalement avec des films d’horreur dont Kaïro (2001). Le thème du fantôme hante son cinéma et la plupart de ses films comportent une dimension fantastique, comme Loft (2005) ou Real (2013). En 2017, il s’essaye à la science?fiction avec Avant que nous disparaissions et Invasion. Son Au bout du monde (2019), portrait d’une jeune fille perdue en Ouzbéskistan, s’inscrit dans une veine réaliste et intimiste. Son œuvre est marquée par les questions de l’absence, de l’identité et des nouvelles technologies.
Naomi Kawase
Réalisatrice et écrivaine, Naomi Kawase naît en 1969. Mêlant fiction et autobiographie, archives familiales en 8 mm et images tournées avec peu de moyens, son travail fait preuve d’inventivité. En 1997, son premier long-métrage Suzaku remporte la Caméra d’or à Cannes et, en 2007, elle reçoit le Grand Prix pour La Forêt de Mogari, sur la rencontre entre une aide-soignante et un pensionnaire dans une maison de retraite. Souvent inscrites dans le Japon rural, ses œuvres se penchent sur la famille, les traditions. La spiritualité imprègne notamment Still the Water (2014) et Vers la lumière (2017). Outre ses fictions, elle a signé une douzaine de documentaires, dont certains autobiographiques, comme Dans le silence du monde (2001).
Ryusuke Hamaguchi
Né en 1978, Ryusuke Hamaguchi débute sa carrière en tournant un premier long-métrage en 8 mm, Like Nothing Happened, et suit les cours de cinéma de Kiyoshi Kurosawa en 2006. Son Passion (2008) dépeint les affres de la vie sentimentale d’un groupe de jeunes Japonais. En 2015, Senses (ou Happy Hour), portrait de groupe de cinq heures d’où se dégage le mal-être diffus de quatre femmes, obtient plusieurs prix internationaux. En 2018, son dyptique psychologique Asako I et II, variation sur les motifs du double et du deuil, est en compétition au festival de Cannes. Hamaguchi a également co-réalisé une trilogie documentaire (The Sound of Waves puis Voices from the Waves en deux volets, Kesennuma et Shinchimachi), consacrée aux survivants du tsunami de 2011 et sortie entre 2011 et 2013.

Hirokazu Kore-Eda ne cherche pas à juger ses personnages ni à peindre des "méchants". « Le metteur en scène n’est ni un Dieu ni un juge », explique-t-il. Ce cinéaste contemporain parmi les plus remarquables de son pays, explore régulièrement les relations familiales dans ses œuvres. Il a été plusieurs fois récompensé au Festival de Cannes où Tel père, tel fils a reçu le Prix du jury en 2013 et Une affaire de famille la Palme d’or en 2018.
Né à Tokyo en 1962, Hirokazu Kore-Eda a commencé sa carrière en réalisant des documentaires. Une école de l’observation et du regard décisive. Il tourne son premier long-métrage de fiction en 1995 : Maborosi. Dans cette adaptation d’un roman de Teru Minamoto paru en 1979, une jeune femme s’interroge sur le suicide de son mari.
Nobody Knows (2004), son quatrième long métrage d’après d’un fait divers survenu en 1988, conte la survie de quatre enfants abandonnés par leur mère, reclus dans un appartement.
La chronique familiale Still Walking (2008) lui est inspirée par la mort de sa mère et marque une étape majeure dans son parcours. Les personnages principaux de I wish / Nos voeux secrets (2011) sont deux frères séparés après le divorce de leurs parents. L’inversion de deux enfants à leur naissance offre dans Tel père, tel fils (2013) l’occasion de questionner la paternité. La famille est à nouveau au coeur de Notre petite soeur (2015) et Après la tempête (2016). Le polar judiciaire Third Murder (2017) rompt avec ces chroniques familiales pour construire un suspense autour de la notion de vérité. En décembre 2019, sort La Vérité, tourné en France, avec Catherine Deneuve et Juliette Binoche en tête d’affiche.

Apparue en 1953 au Japon, la télévision s’est largement répandue dans les foyers au cours des années 1970. Aujourd’hui, informations, sport, émissions culinaires et divertissements excentriques constituent le gros des programmes. Le cinéma, les émissions culturelles ainsi que les fictions étrangères sont peu présents. Outre les nombreux dessins animés, la fiction télévisuelle se résume principalement aux dramas, sous forme de séries ou feuilletons produits massivement.
Dramas en tous genres
Les fictions japonaises ou dramas, de l’anglais TV drama, ont commencé à se développer à la fin des années 1960. Nombre d’entre elles sont adaptées de séries animées populaires. Les formats varient : le renzoku, le plus répandu, se limite à une seule saison de 14 épisodes maximum, l’asadora est un format court du matin, le taiga, véritable série fleuve, s’étale au long de l’année et le tanpatsu correspond à nos téléfilms. Les acteurs professionnels donnent la réplique à diverses célébrités de la chanson ou autre.
Le spectre des genres est vaste, du drama policier au drama historique en passant par le drama d’horreur. Le trendy drama est l’un des plus répandus. Il s’inspire du quotidien des Japonais et leur permet de s’identifier : vie familiale, vie scolaire, vie d’entreprise...
Le réalisme n’est pourtant pas de mise, il s’agit davantage d’un arrière-plan social sur lequel se greffent des péripéties. Le scola drama (drama scolaire) aborde des thèmes récurrents : celui de l’élève résistant à la pression parentale ou sociale comme dans Hana Yori Dango (2005), ou celui du mauvais garçon qui retrouve le droit chemin (Great Teacher Onizuka, 1998).
Les super héros des sentai
Ce genre très codifié naît en 1975 avec la série Goranger créée par l’auteur de mangas Shotaro Ishinomori. Littéralement "escadron de combat" en japonais, les super?sentai, abrégés en sentai, sont des séries de super?héros pour enfants. Elles mettent en scène un groupe de héros dotés de superpouvoirs. Chaque membre a sa couleur, le rouge étant celle du chef. Le monstre ou les forces du Mal sont vaincus invariablement à chaque fin d’épisode. Les héros pratiquent souvent les arts martiaux et sont guidés par un mentor. Ces séries valorisent le dépassement de soi, le courage et l’amitié, le tout avec humour et auto-dérision. Les sentai assument en effet leur aspect "série B" : les effets spéciaux sont sommaires et le jeu d’acteur réduit au strict minimum. Ces productions très rentables engendrent par ailleurs un merchandising non moins lucratif.
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